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BALANCE CANNES 2016: LA GATOPARDADA (SPA)

Por Juan Carlos Lemus

La intensa sensación que queda después de haber pasado diez días viendo el gran cine, el atrevido, el diferente, el de los realizadores, el de autor, y la forma en que este fue ninguneado por el jurado presidido por George Miller se aproxima con dolor a la misma que conocía Tancredi cuando le dijo a su tío el príncipe don Fabrizio: «Si necesitamos que todo siga como está, es necesario que todo cambie». La edición sesenta y nueva de Cannes quedará en el recuerdo como una donde el cliché se fue con los premios bajo el brazo.

Y sin embargo los que por allí pasamos tenemos otra historia para contar: la de las joyas que pasaron por el Lumière y sus salas alternas.

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Café Society: la escogida para abrir esta versión del festival. ¡Y Gracias a Dios que Woody Allen regresó a Nueva York! El aire de su natal ciudad le sentó como anillo al dedo y aunque él no actúa, Jesse Eisenberg no nos deja extrañarlo en su brillante papel de Bobby, un contenido chico judío de la gran manzana que va a Hollywood para enamorarse de Vonnie (Kristen Stewart). Vittorio Storaro nos mete con su fotografía en la melancólica cuasi despedida que Allen empieza a darnos. El director nos entrega una vuelta a sus películas más filosóficas y, con ello, sentimos el aliento fresco de un viejo artesano.

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Fai Bei Sogni: con esta cinta de Marco Bellocchio, la Quincena de realizadores abrió su muestra. Un drama sin excesos, limpio, nostálgico, los colores usados nos llevan a sentimos a finales de los 70, de una relación edípica solo sostenida por el más joven de los integrantes. La familia, los valores de la misma, las formas de elaborar el duelo, o no hacerlo, y la redención de la tragedia en cuerpo de una mujer médica. La mujer se libera de una ataduras cambiándolas por otras, que la hacen sentirse más valorada. De la casa al ruedo laboral ella no sale de la ética del cuidado. Tal vez es allí donde el director italiano nos habla al oído dentro de la prolongada apatía de Massimo.

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Rester Vertical: La primera de varias comedias en competición oficial. Hilarante dentro de su propio sinsentido; esta es una cinta del director francés Alain Guiraudie que da cuenta de que para tocar temas complicados lo mejor es el humor. La redefinición de familia, en todas sus sabores y colores, es el centro de la narrativa de este filme que ayudado por ciertas filias llevadas a límites ridículos lo hacen desternillante. La genialidad de este mago consiste en sacar conejos del sombrero a cuenta de nada. Así como no hay café con leche y jugo de naranja a la cena, con Guiraudie la verosimilitud se puede ir al diablo cuando lo que toca es seguirle el juego al director y reírse a carcajadas.

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Sieranevada: Una cena de despedida para un muerto muy importante. Allí nos atenaza el rumano Cristi Puiu en una comedia  tranquila y opresiva a la vez. Ambas sensaciones quedan imbricadas desde el particular punto de vista y encuadre del director. La nunca bien llegada situación dentro del inflexible marco tradicional rumano es donde trataba el médico Lary (Mimi Braneuscu). Tiene la función de ser nuestros tacto, oídos y ojos para auscultar ese cuerpo de tradiciones y situaciones domésticas y determinar luego del valiente análisis una esquizofrenia sobrepoblada. La única salida que queda es el temple y la risa. Huir no es una opción válida.

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Ma Loute: La caricatura y la fantasía van acá tomadas de la mano y agarran de ella al espectador en la lúdica cinta de Bruno Dumont, donde nuestras acostumbradas escalas son redefinidas y todo se pone patas arriba. O vuela. Las aguas subterráneas nos hablan de la crisis de valores en las diferentes clases sociales de Francia en sus inicios industriales. Sus más elevados exponentes lo son tanto que para cuidar sus emporios terminan en incesto, estupidez y estulticia; la base los sostiene y sirve trabaja a destajo para apenas sobrevive dándose un caldo de cultivo donde la degradación incontable está a la vista de todos.

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The Handmaiden: Park Chan-wook es otro de los que regresa a su tierra y su cine lo refleja. De mariposa a gusano: metamorfosis a la inversa. La calidad de su puesta en escena y fotografía profundizan una historia a su usanza tan llena de vericuetos y truculencias como de guiños para no perdernos en ella. Emplazado en la Corea colonizada por Japón esta historia refleja quizá los sentimiento de dominador y dominado con las subrepticias formas que a las que se llega para zafarse del mismo y cambiar de posición. Ladrones, estafadores, explotadores y erotismo se sobreponen unos a otros para que sea solo al final que un amor lésbico rescate a nuestras antiheroínas.

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Toni Erdmann: este fue el año de la comedia en la Croisette. Maren Ade aterrizó desde Alemania con este pedazo de película que sin dudas tenía todos los elementos necesarios para llevarse la Palma. Y ya vieron ustedes: fracasamos otra vez. Como si fuera temática esta versión del festival: una generación que dice adiós en medio de la tristeza por no haber sido mejor guía; la familia y sus valores, la ética del trabajo protestante, el capitalismo y su avasallamiento sistemático. El combo se completaba con risas. De esas que estallan porque son mejores que llorar. El irse apenas con el premiso FIPRESCI es un mal consuelo. ¿O acaso la misma paradoja que alega la directora alemana? Digo que sí. Y ello será  único consuelo que me quedará después del desastre de palmarés lleno de desventura de esta edición.

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Paterson: un Jim Jarmusch más juguetón que nunca usa la metáfora de los gemelos para hacer referencia a la felicidad familiar y la armonía con ideas opuestas. El oxímoron plasmado en un chofer de bus que es poeta a la vez. Pero cómo no sí él lleva el mismo nombre de su ciudad, Paterson, y esta es cuna de poetas y entre tantos de William Carlos Williams. Hay que tener algo especial para que en casi dos horas la repetición de las mismas escenas una y otra vez no canse debido a pequeñas y sutiles diferencias. Mención especial a Adam Driver y su excelente actuación que vuela particularmente alto en dos diálogos, los que sostiene el chofer de bus con la niña y después cuando habla con el visitante japonés.

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Aquarius: Lo cierto es que esta vez sí logré verme representado por una película latinoamericana. Este filme del brasileño Kleber Mendonça Filho fue para mí tan redondo como el que más en este festival. Incluye todos los temas arriba mencionados tocados sin asomo de dramas ni lastimas tan dados en nuestra cinematografía. Por el contrario, con la misma dignidad que tiene su protagonista, Clara (la exquisita Sonia Braga), Mendonça Filho dice lo que tiene que decir sin trucos, sin efectismos, sin caridades y sin meternos la mano. Un ejemplo crudo de ese mal que parece rondar nuestras tierras: el «UstedNoSabeQuienSoyYoMismo» significa que el racero para medirnos tiene un punto fijo, cercano a uno de sus extremos que hace bajar o subir apreciaciones en unos cuando sube o baja para otros. Siempre a la contra de la humanidad.

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La Tortue Rouge: La animación llegó a Un Certain Regard con el director Michel Dudok de Wit para contarnos una historia simple, soportada en el deleite que provoca con sus bellas y poéticas imágenes, adornadas hasta el barroco por una potentísima banda sonora. Porque a veces no se necesita más, la cinta del holandés nos recuerda que desde que haya magia hasta la ficción más sencilla puede llegar a atraparnos. Un género mirado por encima del hombro ha tenido en este filme un buen elemento que elevará la voz del mismo y que con su buen rendimiento se espera que siga abriendo la puerta para que lleguen más.

Y se soltaron los vampiros.

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The Transfiguration: Michael O’shea se estrenó como director por la puerta grande y que dejaba ver el lado más atrevido del festival. Una muestra de cine refrescante y audaz que denuncia las incapacidades de una sociedad donde Milo es un preadolescente alienado por el vampirismo como respuesta al nihilismo y el cinismos. Elementos que son llevamos a extremos dentro de un Occidente que ha perdido los motivos y se hunde hasta simas esperpénticas. Un sociópata en cuerpo de niño que refleja lo más bajo del ser humano. Una audacia que no fue muy lejos, que se quedó en la pantalla en tanto que el jurado no se dio por enterado.

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The Neon Demon: Jesse es una niña bonita a la que la gran ciudad de Los Ángeles se la fagocita. La historia de siempre pero que bajo el foco de Nicolas Winding Refn se presenta en un púrpura casi real. Jesse es peligrosa, y ella con su particular belleza decide irse de baile con el diablo. Y como se sabe es Él el que luego decide cuando parar. ¿Y el final?, la primera reacción fue de mala sorpresa; no obstante, con el paso de los días me han llegado algunos destellos de los guiños que dejé pasar de lado en la proyección y que me hicieron sentir un final deux ex machina poco acorde con la contundencia del filme. El autor Winding Refn se merece una vuelta a ver su relato.

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Gimme Danger: ¿Iggy Pop & The Stooges no son inmortales? Yo creo que estos sí que son vampiros y su inmortalidad está enclavada en nuestra cultura popular. Iggy pop resuma la elegancia y buenas maneras propias de esa casta tan admirada como temida. Jim Jarmusch hace un documental que reivindica la posición de esta gran banda, The Stooges, y plantea como se ha venido bebiendo sistemáticamente de esa fuente sin decirlo muy en voz alta. Un filme que como dice su estrella central quiere decir mucho con las mínimas palabras.

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La Mort de Louis XIV: Aplausos, y más aplausos. La obviedad del fuera de concurso. El rey de reyes de los franceses vive sus últimos días. Albert Serra lo saca del estadio histórico con la ayuda de Jean-Pierre Léaud, al que encierra en un cuarto mientras descubre la más gloriosa inutilidad. La torpeza con visos de traición barroca. Poco más que decir con apenas una vez vista. El cine por el cine mismo. La delicatesen que apenas fue exhibida dos veces y, porque se ve de difícil exhibición dentro del gran público, eleva la sensación de sentirse especial al poder caminar por la Croisette en aquellas fechas.

Balance Cannes 2016

desistfilm • 27 mayo, 2016


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